Il aura fallu attendre le 8 mai pour en avoir une liste définitive, mais la sélection officielle du 63e Festival de Cannes  est désormais bouclée. Du 12 au 23 mai, les festivaliers vont pouvoir prendre le pouls de la production cinématographique. Car Cannes reste bien le festival de cinéma le plus prescripteur, le plus regardé, le plus attendu. Terrence Malick, pressenti jusqu'à la dernière minute avec son Tree of Life, ne sera finalement pas présent, mais cette sélection moins glamour qu'à l'habitude devrait réserver bien des surprises.

Un jury éclectique et international

Cette année, c'est le cinéaste américain Tim Burton qui aura la lourde tâche de présider le jury chargé de départager les films en compétition officielle. Le réalisateur fantasque de Sweeney Todd, Edward aux mains d'argent ou Alice aux Pays des Merveilles, sera accompagné de trois acteurs aux antipodes les uns des autres. Kate Beckinsale, plus habituée au faste hollywoodien (Underworld, Pearl Harbour...) qu'au tapis rouge du Festival de Cannes, sera la touche glamour du jury. Giovanna Mezzogiorno, actrice italienne si intense, vue récemment dans Vincere (Marco Bellochio), et Benicio Del Toro, Prix d'interprétation masculine au Festival de Cannes 2008 pour sa composition du Che (Steven Soderbergh), semblent des choix évidents. Ils seront entourés de deux réalisateurs, Victor Erice (Espagne), trois films en 50 ans, et Shekhar Kapur (Shakespeare in Love...). Le compositeur français Alexandre Desplat, qui a signé récemment les partitions de The Ghost Writer ou Un Prophète, et l'écrivain, scénariste et réalisateur français Emmanuel Carrère  (La Moustache) complètent le jury, accompagnés de l'Italien Alberto Barbera, directeur du Musée national du Cinéma.

Une compétition surprenante et resserrée : la famille pour thème central

Peu de très grands auteurs (habitués du festival), c'est le premier constat que l'on peut faire à la vue de la liste des films en compétition pour la Palme d'Or. Une prise de risque plus grande de la part des sélectionneurs qui s'explique peut-être par l'absence de Terrence Malick (Tree of Life) ou Sofia Coppola (Somewhere) dont les films n'ont pas été prêts à temps.

On constate également une liste resserrée (18 films), qui n'empêche pas une répartition géographique très large. France (toujours très représentée, souvent sans succès), Grande-Bretagne, Chine, Japon, Ukraine, Italie, Etats-Unis (un seul film), Hongrie, Thaïlande, Russie, Iran, Espagne, Algérie... seront représentés par des films très divers, mais dont un thème commun semble d'ores et déjà se dégager : la famille et la quête d'identité. C'est le cas des films de Kornel Mondruczo (Un Garçon fragile), Alejandro Gonzalez Inarritu (Biutiful), ou de façon plus poétique de Lee Chang-Dong (Poetry).

Si on ne trouve ni documentaire ni film d'animation dans la sélection, certains films font déjà figure d'événement. Tournée (Mathieu Amalric) suit le quotidien d'une troupe de danseuses, Un Homme qui crie (Mahamat Saleh Haroun) mêle social et politique dans un contexte de guerre au Tchad, Bertrand Tavernier revient à Cannes avec un film en costumes (La Princesse de Montpensier), l'intensité du cinéma d'Alejandro Gonzalez Inarritu devrait faire des merveilles avec Biutiful (qui met en scène Javier Bardem), la religion sera au coeur du nouveau film de Xavier Beauvois (Des Hommes et des Dieux), l'Iranien Abbas Kiarostami réalise son premier film hors de son pays et avec Juliette Binoche (Copie Conforme), l'habitué Apichatpong Weerasethakul nous emmènera voir des fantômes avec Loong Boonmee Raleuk Chaat. Enfin, la polémique pourrait venir du film Hors-la-loi (Rachid Bouchareb), dont les inexactitudes historiques concernant les massacres de Sétif sont déjà pointées du doigt, avant même qu'il n'ait été vu.

Hors Compétition : Woody Allen et Olivier Assayas

Comme toujours, on retrouve hors compétition le meilleur et le moins bon de la sélection.

Pour le meilleur, Woody Allen et Olivier Assayas viendront présenter leurs nouveaux films. Le premier avec sa nouvelle comédie You Will Meet A Tall Dark Stranger (avec au casting Naomi Watts et Anthony Hopkins), le second avec sa mini-série sur le terroriste Carlos. Stephen Frears nous fera également découvrir Tamara Drewe, et Julie Bertuccelli présentera L'Arbre en clôture du festival (avec Charlotte Gainsbourg).

Moins attendus, Robin des Bois (Ridley Scott) en ouverture, et Wall Street : l'argent ne dort jamais (Oliver Stone, plus que jamais d'actualité) auront peut-être plus de mal à trouver leur public.

Place aux films...

Après une soirée d'ouverture marquée par la présentation de l'ultra-calibrée mais efficace FlashForward, le festival Séries Mania changeait de registre et de format mercredi avec une soirée consacrée à la psychothérapie. Les festivaliers, moins nombreux que la veille, ont pu en effet (re)découvrir l'une des séries les plus audacieuses et enthousiasmantes du moment, In Treatment (En Analyse), et sa version originale israélienne, Betipul.

Les origines de Betipul

Créée en 2005, Betipul a d'abord rencontré un grand succès en Israël. Peut-être en premier lieu par manque de bons programmes à la télévision. C'est ce que pointe le créateur de la série, Hagai Levi. Pour trouver l'idée de sa série, il s'est en effet demandé ce qu'il avait envie de voir sur son écran. Et très vite, la psychothérapie s'est imposée dans son esprit, lui-même, expert en la matière, se faisant suivre depuis l'âge de 10 ans. C'est peut-être aussi la levée d'un tabou (plus ou moins avoué) qui explique cet engouement pour la série. Enfin, Betipul, par son dispositif même,active chez le spectateur un sentiment de curiosité (à la limite du voyeurisme) qui explique aussi en partie son succès. Qui n'a jamais rêvé d'entendre ce que pouvait raconter un proche chez son psy ?

Un dispositif épuré qui révèle les émotions

Le dispositif, justement, parlons-en. Un jour, un psy, son patient. La caméra circule de l'un à l'autre par de classiques champs/contrechamps. Pas de mouvements de caméra, pas (ou peu) de musique, l'aridité du dispositif n'a d'égale que l'émotion suscitée par ces conversations d'un réalisme confondant. Dans la saison 1, le psy reçoit tour à tour une femme en plein tranfert érotique, un militaire qui a tué des civils (à Gaza dans la version israélienne, en Afghanistan dans la version américaine), une gymnaste accidentée et un couple à l'entente un peu douteuse. Mais très vite, on se rend compte que le personnage principal de chaque séance n'est pas tant le patient reçu que le psychothérapeute lui-même, bien loin de rester impassible devant les états d'âme de ses patients. C'est aussi ce qui fait la force et la beauté de cette série. Le spectateur est à la fois placé dans la position du psy, à l'écoute de ses patients, mais il a également un rôle d'observateur de la manière avec laquelle le psy mène les séances, révélant les mécanismes de l'esprit et de la psychologie humaine. Surtout, il ressent avec d'autant plus d'acuité les émotions ressenties par ce personnage au fil des séances, personnage auquel il est très facile de s'identifier.

Un psy en analyse

Car s'il reçoit dans son cabinet tout au long de la semaine, le dernier jour est consacré à sa propre analyse. Ressortent alors les émotions, les colères, les regrets, accumulés tout au long de la semaine, et liés tout autant aux petites douleurs perçues au fil des séances qu'au désordre sentimental de sa propre vie. On perçoit alors le personnage sous un jour nouveau, celui d'un homme aussi fragile que ses patients mais qui tente de les aider malgré tout. C'est cette absence étonnante de manichéisme qui fait tout le prix de cette belle série. 

De Betipul à In Treatment

Hagai Levi avoue avoir été surpris par le succès mondial rencontré par sa série. Il a souhaité s'impliquer sur le remake américain, en tant que producteur exécutif et donc consultant de luxe. La saison 1 de In Treatment n'est qu'une traduction (légèrement adaptée) de la première saison de Betipul, ce qui permet d'établir peu de comparaisons entre les deux séries. Cependant, le Forum des Images a eu l'excellente idée de programmer mercredi soir une semaine entière de psychothérapie en alternant les épisodes des deux séries. Résultat des courses : on sent un naturel beaucoup plus prononcé dans la version israélienne, et un côté plus fabriqué dans la série américaine. Dans les deux cas, le résultat est excellent, mais il y a un soupçon d'incontrôlé dans Betipul que l'on ne retrouve pas dans In Treatment.

Pour terminer, rappelons que Woody Allen reste le plus grand cinéaste à traiter de la psychothérapie dans ses films, et que chacun de ses films est une psychothérapie à lui tout seul. Dans Une Autre Femme (1989), une femme (Gena Rowlands), surprenant par hasard les confidences d'une autre (Mia Farrow) à son psychothérapeute, remettait subitement sa vie en question. C'est ce programme assez fascinant que nous proposent Betipul et In Treatment.

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Les sorties ciné les plus attendues

Semaine du 7 avril

Ajami, de Scandar Copti et Yaron Shani (sraël)

Décidément, le cinéma israélien se porte bien puisque ses cinéastes viennent de plus en plus régulièrement nous donner des nouvelles. C'est le cas ce mois-ci avec ce film prometteur réalisé conjointement par un musulman et un juif, et qui met en scène des habitants d'Ajami (justement), quartier de Jaffa où cohabitent (justement) chrétiens, juifs et musulmans.

Semaine du 14 avril

Green Zone, de Paul Greengrass (USA)

Le réalisateur de Bloody Sunday et Vol 93 s'attaque à un sujet épineux avec ce film sur les agissements et les mensonges des Etats-Unis lors de l'invasion en Irak. Si les films américains sur l'Irak sont rarement réussis, le cinéma nerveux et haletant de Paul Greengrass pourrait bien changer la donne.

8 fois debout, de Xabi Molia (France)

Un premier film qui n'a pas peur de parler de précarité et de chômage, c'est intéressant. Ca l'est doublement lorsqu'on retrouve au casting Denis Podalydès, qui devrait insuffler pas mal de fantaisie à l'ensemble.

Téhéran, de Nader T. Homayoun (Iran)

L'Iran, encore. Cette fois vu sous l'angle du film de genre.

New York I love You, Collectif (USA)

Sur le modèle de Paris Je t'aime, une dizaine de court-métrages réalisés par de grands cinéastes (pas forcément américains). Casse-gueule, mais après Paris, New York mérite évidemment d'avoir son film. L'occasion de retrouver devant la caméra Drea de Matteo (échappée des Desperates Housewives), Christina Ricci, Natalie Portman, ou encore Andy Garcia.

Semaine du 28 avril

Air Doll, de Hirokazu Kore-Eda (Japon)

Un ovni que ce nouveau film du réalisateur japonais après les passionnants Nobody Knows et Still Walking. L'histoire d'amour d'une poupée gonflable qui, petit à petit, devient humaine...

Les événements du mois

Le festival Séries Mania

Il manquait à Paris un grand festival des séries télé. L'affront est désormais réparé puisque le Forum des Images propose du 6 au 11 avril le Festival Séries Mania, qui permettra de découvrir plus d'une vingtaine de séries, en avant-première de leur diffusion en France. On peut noter la grande diversité des séries présentées, venues de tous les horizons : France (Les Invincibles saison 2, Engrenages saison 3), Israël (Betipul, la série qui a inspiré le remake américain In Treatment, également présenté), Grande-Bretagne (Criminal Justice, Money)... Les Etats-Unis se taillent évidemment la part du lion dans cette programmation, avec la découverte d'une nouvelle série médicale (Nurse Jackie), le retour de Toni Collette avec un personnage aux troubles de la personnalité (United States of Tara), mais aussi Flashforward, Breaking Bad, Bored to Death, V ou How to Make it in America.

Deux grands moments dans cette manifestation :

- le créateur de Dexter, Clyde Phillips, viendra parler de sa série le jeudi 8 avril à 18h30 ;

- la programmation de deux saisons intégrales : la saison 2 de True Blood, la nouvelle série d'Alan Ball, le "papa" de Six Feet Under, le samedi 10 avril à partir de 19h00 ; et la saison 2 de Mad Men, peut-être la meilleure série du moment, le dimanche 11 avril à partir de 11h00.

Tout le programme ici

Cycle Noir Lumière

Le Forum des Images consacre son nouveau cycle au "noir lumière", avec pour le mois d'avril 4 thèmes principaux : le noir chic, les expérimentations cinématographiques autour du noir, le noir autoritaire, et le noir rébellion. L'occasion de voir (ou revoir) La Notte (Antonioni), La Femme au Portrait (Fritz Lang), La Messe est finie (Nanni Moretti), Le Procès (Orson Welles), 10e Chambre, Instants d'Audience (Raymond Depardon), Mean Streets (Martin Scorsese) ou Kafka (Steven Soderbergh).

Et voilà le programme ! 

She and Him en concert - Alhambra - 29 avril

Zooey Deschanel, l'actrice de (500) Jours ensemble, se produit en concert à l'Alhambra le 29 avril. Avec M. Ward à la guitare, ils forment le groupe She and Him. Le moment devrait être magique... Pour plus de détails, cliquez ici 

Autres manifestations

Parmi les autres manifestations du mois, citons le cycle "Takeshi Kitano, l'iconoclaste" au Centre Pompidou, qui se poursuit jusqu'au 26 juin.

Programme

Programme

Alors que les polémiques concernant sa vie privée ne désenflent pas, Roman Polanski revient par la grande porte du cinéma avec un thriller paranoïaque délicieusement vénéneux, claustrophobique et un brin manipulateur. Autant d'adjectifs qui s'adaptent parfaitement à l'oeuvre entière de Roman Polanski et qui témoignent d'une réelle continuité, de Répulsion (1966) jusqu'à aujourd'hui.

Avec ce Ghost Writer, le réliasateur de Rosemary's Baby suit les traces d'un nègre littéraire (impeccable Ewan McGregor) engagé pour réécrire les mémoires d'un ancien Premier ministre britannique, Adam Lang, suite à la mort (suicide ? accident ?) de son prédecesseur. Mais très vite, il se rend compte de la difficulté de la tâche. L'homme politique fuit les questions, et l'île sur laquelle l'action prend place semble contenir plus de secrets qu'il ne pouvait l'imaginer.

Roman Polanski est un maître dans l'art d'installer des ambiances inquiétantes. The Ghost Writer ne déroge pas à cette règle. Dès les premiers plans, qui nous font découvrir une voiture abandonnée sur un ferry (en réalité, celle conduite par le premier biographe décédé), la mise en scène très factuelle et l'excellente partition musicale d'Alexandre Desplat nous entrâinent directement dans une atmosphère trouble. Le danger est bien là, présent dès les premières images. Un certain malaise qui se dessine également lors de l'étrange entretien d'embauche du personnage incarné par Ewan McGregor. Entretien assez invraisemblable qui voit le biographe embauché pour son "incompétence". C'est parce qu'il ne connaît rien à l'univers politique qu'il pourra en parler avec "coeur". Et qui se termine par une agression caractérisée en pleine rue. Mais l'angoisse atteint son paroxysme lors de l'arrivée du personnage sur l'île habitée par le politicien. Le décor prend ici toute son importance puisque cette maison de vacances ressemble en réalité à un bunker ultra-sécurisé. Et lorsque les éléments se déchaînent, le piège se referme sur l'écrivain fantôme".

Une variation de film à suspense hitchcockien

Ce qui frappe d'emblée, c'est l'extrême simplicité et le classicisme de la mise en scène de Roman Polanski. Une simplicité qui n'a dégale que l'efficacité d'une intrigue au suspense redoutable. Entièrement conduit du point de vue de son personnage principal, le récit maintient un suspense haletant tout du long, bénéficiant de nombreux rebondissements sans jamais rechercher l'effet spectaculaire. Certaines séquences sont à couper le souffle, telle celle où l'écrivain tente d'échapper à ses poursuivants, sur le même ferry que celui qui avait abrité la mort du premier biographe au début du film. The Ghost Writer suit à cet effet la structure typique du suspense hitchcockien, la fuite d'un homme poursuivi par ceux qui veulent sa mort. On pense ici notamment à des films comme Les 39 marches (1935) ou La Mort aux trousses (1959). D'autant que notre personnage est entouré de deux femmes, la blonde et la brune, opposées l'une à l'autre par leurs attitudes. Mais sont-elles vraiment telles qu'elles paraissent être ? Car c'est aussi la grande force du film. Notre biographe, et le spectateur avec lui, sait bien qu'il ne peut faire confiance à personne, les apparences pouvant parfois s'avérer plus que trompeuses.
L'angoisse est aussi véhiculée par des objets qui semblent avoir une véritable valeur maléfique, telle cette voiture d'occasion qui conduit pourtant l'écrivain sur les traces du précédent biographe. A la fin du film, un simple bout de papier passant de main en main remplit également parfaitement cette fonction.
Enfin, comme dans le thriller existentialiste des Frères Coen A Serious Man, l'extrême jubilation de Roman Polanski à martyriser son personnage est perceptible tout au long du film. Le réalisateur pare alors son intrigue de traits d'humour à froid, à la fois terrifiants et jubilatoires. La séquence dite de la "clé USB" en est un bon exemple.

Avantage Polanski

Il est intéressant de constater que deux des cinéastes les plus intéressants de la deuxième moitié du XXe siècle sortent deux films assez comparables à une semaine d'intervalle. Un thriller psychologico-fantastique pour Martin Scorsese avec Shutter Island, un autre plus classique et pervers pour Polanski. Si le thème de la paranoïa parcourt les deux films, Scorsese l'utilise dans une logique toujours plus spectaculaire, tandis que Polanski, par la simplicité de son dispositif et la confiance témoignée en son scénario, y injecte davantage de subtilité, d'ironie et finalement d'efficacité dramatique. The Ghost Writer est son meilleur film depuis bien longtemps. Au-delà de l'intrigue politique, le film, par son efficacité narrative et une identification maximale, est un plaisir pur de spectateur.

Retraçant sans grande originalité le destin du chanteur « country-rock » américain Johnny Cash, de ses débuts laborieux au concert mythique du 13 janvier 1968 à la prison de Folsom, Walk The Line prend la mesure de la légende à travers d’incroyables numéros chantés et l’interprétation magistrale de ses deux acteurs principaux, Joaquin Phoenix et Reese Witherspoon.

Walk the line suit les schémas préétablis du genre "biopic". Tout part d’abord d’un traumatisme initial, la mort du frère dans des conditions atroces, et un fort sentiment de culpabilité alimenté par son père. Si James Mangold sait éviter ici les flash-back larmoyants qui parsemaient Ray (biographie filmée de Ray Charles), il n’en reste pas moins que le talent de Johnny Cash et sa passion pour la musique ne semblent s’expliquer que par cette enfance malheureuse. Le film débute d’ailleurs par un plan sur une scie dans la prison de Folsom qui permet à Cash de se remémorer ce morceau d’enfance, ce qui ne fait que confirmer l’importance que le film lui accorde.

Cette vision assez simpliste du destin de l’artiste se poursuit lorsque Johnny Cash devient une vedette. Plutôt que de montrer le génie à l’œuvre, le processus de création musicale, le réalisateur s’attache sans aucune originalité à présenter la plongée du chanteur dans les affres de la dépendance (alcool, amphétamines) et ses ravages sur sa vie et son œuvre. C’est évidemment du déjà-vu, d’autant que la mise en scène manque de souffle, ce qui est bien un comble lorsque l’on suit les traces d’une légende de la musique. Le film ne retrouve qu’à de très rares moments l’énergie créatrice et la frénésie jubilatoire qui faisaient la réussite de Ray.

Quant à la rédemption, elle passe par l’amour, ce qui n’est pas là aussi d’une folle audace, mais réserve les plus beaux moments du film.

L’amour rédempteur d’un couple mythique

La réussite du film tient en effet essentiellement à cette relation qui traverse le temps entre Johnny Cash et celle qui partagea nombre de ses tournées puis sa vie, June Carter. C’est en effet grâce à elle si le chanteur, touchant le fond, a pu trouver la force de rebondir. Le réalisateur montre également avec efficacité la force d’inspiration que représente cet amour pour Johnny Cash, notamment pour la chanson « Walk the line » qui donne son titre au film.

Mais c’est véritablement au cours des prestations scéniques que le film trouve toute son intensité. Les duos entre Johnny Cash et June Carter laissent en effet transparaître leur grande complicité et révèlent la passion qui les unit. Ces scènes sont ainsi filmées au plus près des corps qui se frôlent, leurs regards se cherchent ou se dérobent, et toute la magie du film naît de ces instants où les deux personnages semblent comme hors du temps. Leur alchimie s’explique également par l’implication des deux acteurs principaux qui chantent eux-mêmes, ce qui est une performance. Reese Witherspoon confirme, après nombre de comédies, son potentiel dramatique. Elle dégage une belle présence qui tient autant à son visage atypique qu’à sa voix à la fois fluette et profonde. Quant à Joaquin Phoenix, touché par les similitudes entre l’existence du chanteur et la sienne (il a, lui aussi, perdu un frère à qui l’on promettait une brillante carrière très jeune), il en fait un artiste passionné et torturé. Et dès qu’il entre en scène et prononce d’une voix profonde et grave « Hello, I’m Johnny Cash », porteur d’une énergie à la fois douloureuse et jubilatoire, l’acteur restitue à lui seul toute la complexité de cette légende de la musique américaine.

Walk the line, de James Mangold - USA - Avec Joaquin Phoenix, Reese Witherspoon, Ginnifer Goodwin... - Durée : 2h10 - 2006.