A 15 ans, Adèle ne se pose pas de questions : une fille, ça sort avec des garçons. Sa vie bascule le jour où elle rencontre Emma, une jeune femme aux cheveux bleus, qui lui fait découvrir le désir et lui permettra de s'affirmer en tant que femme et adulte. Face au regard des autres, Adèle grandit, se cherche, se perd, se trouve...

Adèle mange (goulûment), Adèle aime (totalement), Adèle pleure (souvent), Adèle vit. Toute la beauté (et la nécessité) du dernier film d'Abdellatif Kechiche est là. Le réalisateur de La Graine et le mulet nous donne à voir par les moyens du cinéma et sous son regard (forcément subjectif), l'énergie de la vie.

Celle d'une adolescente d'abord, Adèle, qui se cherche et se découvre, apprend à s'accepter et s'assumer, grandit et devient femme au contact de cette autre jeune femme aux cheveux bleus, Emma, étudiante aux Beaux-Arts. La Vie d'Adèle est en effet d'abord et avant tout un bouleversant récit d'initiation où Abdellatif Kechiche, fidèle à son style extrêmement naturaliste, montre des choses que l'on n'a rarement vues de façon aussi crues et évidentes au cinéma : la violence, le rejet de la différence, la difficulté de l'assumer (cette différence), puis surtout la naissance du désir.

De façon aussi authentique surtout. On pourra gloser tant qu'on voudra sur les conditions de tournage du film (certainement difficiles), le résultat obtenu par le réalisateur est ahurissant d'authenticité. Kechiche aime Adèle, c'est évident. Avec sa caméra portée, au plus près du visage (souvent filmé en très gros plan) et du corps de son actrice, il nous donne à voir tout ce qui peut la définir : sa nuque évidemment (que l'on connait par coeur à force de la suivre dans tous ses déplacements), mais surtout sa manière de parler, sa manière de pleurer, sa manière de manger... Abdellatif Kechiche raconte d'ailleurs comment Adèle Exarchopoulos lui est apparue évidente dans le rôle lors d'une rencontre au restaurant : "Elle a commandé une tarte au citron, et à sa façon de la manger, je me suis dit : "C'est elle". Elle est "dans les sens", sa façon de bouger sa bouche, de mâcher..."

Une authenticité qui vient aussi et surtout de ce qui caractérise depuis toujours le cinéma d'Abdellatif Kechiche. Cet art de faire durer les scènes pour capter cet instant magique où l'acteur s'abandonne totalement. Laisser tourner la caméra, laisser improviser ses acteurs, les épuiser (peut-être) pour laisser la vie entrer dans le champ. Cette exigence, le réalisateur la revendique : "Selon moi, être acteur demande l'investissement de toute une existence, l'engagement de tout son être avec des conséquences qui peuvent parfois être douloureuses. C'est un don de soi terrible, pas un métier comme on le fait parfois, de manière un peu futile". Et c'est peut-être Olivier Gourmet, acteur sur La Vénus Noire, qui, loin des polémiques, théorise le mieux la méthode d'Abdellatif Kechiche : "Abdel, il dit "Moteur" et cinquante minutes après il coupe, avec trois caméras qui bougent dans tous les sens. La scène ne dure jamais cinquante minutes, donc c'est à vous de remplir les vides, d'improviser. Après, lui est devant tout ça, il vous dit : "Refais, refais, refais", il vous pousse dans vos derniers retranchements, jusqu'à l'épuisement, un peu comme ses films qui épuisent les spectateurs. Je pense qu'il le sait, qu'il le veut. Il veut que l'acteur passe par différentes étapes pour arriver à je ne sais pas quoi, une espèce de résumé, de condensé de tout ce qui a pu se passer sur les scènes précédentes et à ce moment magique où l'acteur s'abandonne parce qu'il lâche prise, qu'il en a marre et qu'il a envie que ça s'arrête."

De ce travail certainement passionnant sur la durée, il reste dans le film de longues scènes qui sont comme des fragments de vie. Les plus réussies et les plus riches tournent souvent autour des repas. Telles ces deux scènes de rencontre avec les parents d'Emma puis d'Adèle. Abdellatif Kechiche met en miroir les deux scènes et excelle dans la confrontation entre les classes sociales : le milieu plutôt artiste et aisé de la famille d'Emma, celui plus simple et prolétaire d'Adèle. On sent la gêne parfois, la tendresse et l'amour tout le temps dans les deux repas (même si dans le second cas, les parents d'Adèle ne savent pas que leur fille est en couple avec Emma). Au-delà des clichés, Kechiche confronte les univers, les conceptions différentes de la vie, et capte dans la durée une émotion juste. C'est aussi ce qui crée la puissance émotionnelle de son cinéma.

C'est également le cas lorsque, des années plus tard, et alors que les deux femmes sont bien installées dans leur relation, une autre scène de repas va, dans sa durée même, révéler des failles dans leur amour. En une scène, tout est suggéré : la distance entre Emma et Adèle, la difficulté de cette dernière à trouver sa place dans la vie d'artiste d'Emma, la répartition des rôles entre les deux femmes, et même en fin de scène une redistribution des couples qui annonce la suite... Comme dans un tableau dont on découvrirait des détails à force de le regarder intensément, Kechiche révèle dans la durée de la scène des moments de vie. C'est beau et triste à la fois, c'est la vie, c'est merveilleux.

Ce cinéma-vérité, brut, sans concessions, qui suit son personnage jusque dans sa plus profonde intimité (on peut discuter de la nécessité des scènes de sexe), est encore renforcé par l'absence de musique off. Presque toutes les musiques entendues dans le film sont dans le champ de la caméra, entendues par les personnages autant que par les spectateurs. C'est évidemment une volonté de ne jamais rompre avec le personnage d'Adèle, avec ses sensations. Kechiche ne surligne rien, ne rajoute rien, et nous demande de comprendre son film à partir des sensations de son personnage, rien de plus. En cela aussi, c'est un geste de cinéma très fort.

Libre adaptation du roman graphique de Julie Maroh, Le Bleu est une couleur chaude, La Vie d'Adèle trouve peut-être ses limites dans les choix d'adaptation d'Abdellatif Kechiche. En voulant toucher à l'universel, certains aspects du destin d'Adèle semblent survolés (coming out, rapports avec ses amis de lycée...). Un exemple parmi d'autres : une fois passée la scène de repas des deux jeunes femmes avec les parents d'Adèle, nous ne les reverrons plus. La violence de la scène avec ses amis de lycée n'a pas non plus de suite, comme si Adèle n'y retournait jamais. Des trous béants dans cette vie que le réalisateur propose pourtant de suivre avec la plus grande sincérité. Le réalisateur lui-même explique ce choix : "J'avais plus le sentiment de traiter, de raconter l'histoire d'un couple, du couple. La problématique de l'homosexualité, je ne voyais pas pour quelle raison je l'aborderais spécialement, car la meilleure façon, si je devais avoir un discours sur ce sujet, ce serait de ne pas en avoir, de filmer cela comme n'importe quelle histoire d'amour, avec toute la beauté que cela comprend." Cela s'explique peut-être par le fait que son cinéma est plus un cinéma du temps présent, que de l'évolution. Trouver du sens dans la scène même, plutôt que dans leur enchaînement. En témoigne également l'absence d'évolution physique du personnage d'Adèle malgré les années qui passent.

Peut-être pourra-t-on aussi reprocher au film une dernière demi-heure à laquelle on a un peu de mal à croire (à partir de la scène de la rupture). Peut-être la proximité avec les personnages devient-elle alors aussi plus gênante. Peut-être le problème vient-il aussi du personnage d'Emma, rapidement condamné par le film. Trop insensible et conditionnée par son milieu artiste. Le film perd alors en subtilité, d'autant que Léa Seydoux peine à faire passer la moindre émotion.

Le final au vernissage de l'exposition d'Emma apparaît alors comme une respiration bienvenue, une manière pour Adèle de retrouver enfin la paix. Filmée en plan d'ensemble dans une rue de Lille, Adèle peut enfin s'éloigner et poursuivre sa vie.

Guillaume SAKI

La Vie d'Adèle, chapitres 1 et 2 - De Abdellatif Kechiche - Avec Adèle Exarchopoulos, Léa Seydoux, Salim Kechiouche, Jérémie Laheurte - Sortie : 9 octobre 2013 - Durée : 2h59

The Grand Budapest Hotel, de Wes Anderson

Si une bande annonce est censée donner envie aux spectateurs d'aller au cinéma, certaines peuvent provoquer l'effet inverse.

Il se pourrait bien que Diana reste dans les bilans de l'année comme la bande annonce la plus pourrie du cru 2013. Histoire édulcorée, mièvrerie de tous les instants, dialogues pathétiques, personnages risibles, la collection Harlequin revisitée par Oliver Hirschbiegel... tout cela en seulement 1 minute 30. Film le plus pourri ? On n'en sait rien, puisque nous n'irons évidemment pas vérifier...

La preuve par l'image : de mémoire de spectateur, on a rarement vu pire (à part peut-être dans un obscur téléfilm sur M6...) !

En revanche, pris comme une parodie, ça pourrait être drôle...

Diana - De Oliver Hirschbiegel - Avec Naomi Watts, Naveen Andrews, Douglas Hodge - Grande-Bretagne - Sortie : 2 octobre 2013 - Durée : 1h53

Alors qu'elle voit sa vie voler en éclat et son mariage avec Hal, un homme d'affaires fortuné, battre sérieusement de l'aile, Jasmine quitte son New York raffiné et mondain pour San Francisco et s'installe dans le modeste appartement de sa soeur Ginger afin de remettre de l'ordre dans sa vie.

Difficile d'expliquer les critiques dithyrambiques concernant le dernier opus de Woody Allen, sinon par l'aveuglement de la plupart des journalistes face à la carrière du cinéaste. Il est hélas très loin le temps des chefs-d'oeuvre de Maître Woody.

Tout n'est évidemment pas négatif dans cette peinture du déclassement social. On retrouve avec plaisir ce mélange de comédie et de drame propre à son cinéma, cette noirceur de plus en plus présente au fil du temps sous le vernis de la légèreté. On retient particulièrement cette scène terriblement décalée où Jasmine expose avec virulence ses problèmes et ses désillusions aux enfants de sa soeur, interloqués. On aime aussi le côté "mythomane" de Jasmine qui "se réinvente" (comme elle le dit) et ainsi, referme sur elle le piège qu'elle s'est elle-même tendu. Là aussi, le mélange comique/tragique fait mouche.

Mais si Cate Blanchett se sort plutôt bien de ce rôle difficile de femme dépressive et mythomane, perdue dans sa logorrhée verbale, elle reste très loin d'une performance comme celle de Gena Rowlands dans Une Femme sous influence. Car elle ne peut échapper au principal défaut du film : Woody Allen n'aime pas son personnage. On ne perçoit aucune empathie pour Jasmine, l'identification est donc impossible. Rien n'est fait pour rattraper le personnage, bien au contraire. La dernière scène est à cet égard significative, gratuitement cruelle.

Côté construction narrative, pas grand chose à en dire si ce n'est que les va-et-vient incessants entre le passé de Jasmine et son présent n'ont pas grand intérêt, si ce n'est d'accabler encore davantage Jasmine. Quant à l'opposition entre les manières de grande bourgeoise de Jasmine et la simplicité du prolétariat incarné par sa soeur (la sympathique Sally Hawkins), elle s'avère vite caricaturale et vaine.

Désolé, chers critiques, mais pour du grand Woody Allen, il faudra encore attendre un petit peu... Certaines de ses dernières comédies, parfois décrites comme mineures (Whatever Works par exemple), étaient beaucoup plus réussies.

Guillaume SAKI

Blue Jasmine - De Woody Allen - Avec Cate Blanchett, Sally Hawkins, Alec Baldwin, Bobby Canavale... - USA - Sortie : 25 septembre 2013 - Durée : 1h38

Vous vous accorderez sûrement avec moi pour dire que The Yards et La Nuit nous appartient comptent parmi les meilleurs polars américains. Ces deux films noirs sur fond de tragédie familiale, emportés par la mise en scène précise et classique de James Gray, développent une rare puissance dramatique.

Dans leur numéro de mai, les Cahiers du cinéma reviennent sur le cas James Gray, à l'occasion de sa sélection en compétition officielle lors de la dernière édition du Festival de Cannes. Car, aussi bizarre que cela puisse paraître, la réception de ses films reste compliquée. Aussi clairs et puissants soient-ils, The Yards (2000), La Nuit nous appartient (2007) et Two Lovers (2008), tous trois présentés à Cannes, en sont repartis bredouilles.

Pire, The Yards fut hué lors de la projection de presse, descendu par la critique américaine, et abandonné par son producteur Harvey Weinstein. Au box-office américain, le film ne récoltera même pas 1 millions de dollars (alors qu'il en avait coûté 20).

Two Lovers, malgré son casting 4 étoiles (Joaquin Phoenix, Gwyneth Paltrow, Isabella Rossellini...), ne fera pas beaucoup mieux (3 millions de dollars). Il est vrai que James Gray délaissait ici le genre du polar pour s'abandonner à la romance, mais une romance plus crépusculaire que jamais, dominée comme toujours par un dilemme familial. Et livrait l'un de ses plus beaux films.

Même son film le plus porteur commercialement (et peut-être le plus efficace), La Nuit nous appartient, reste un échec au box-office américain (29 millions de dollars). Certains critiques restent aveugles au talent de l'Américain et assassinent le film : "Trop lent pour être un plaisir coupable, trop débile pour être un plaisir innocent", pouvait-on lire dans le New York Post à la sortie du film.

A Cannes 2013, James Gray reste le mal-aimé de la compétition, à nouveau boudé par les festivaliers. Il faudra attendre le 29 novembre pour se faire son idée sur The Immigrant qui semble marquer une rupture dans la filmographie du réalisateur de Little Odessa (reparti avec le Lion d'Argent à Venise en 1994).