Troisième volet d’une trilogie ayant pour thèmes l’Amour (Head On), la Mort (De l’autre côté) et le Diable (The Cut), Fatih Akin s’attaque avec son nouveau film à un sujet éminemment épineux : le génocide arménien. S’il apparaît naturellement comme son film le plus ambitieux (par son budget et son ampleur), The Cut, pourtant très attendu par les Arméniens et par les cinéphiles, au-delà du symbole qu’il représente, est une immense déception.

Un symbole fort…

Il faut le reconnaître, The Cut est d’abord un acte symbolique fort. Qu’un réalisateur d’origine turque ose briser le tabou du « génocide arménien » est un geste politique courageux. Rappelons que, entre 1915 et 1917, les deux tiers des Arméniens qui vivaient sur le territoire actuel de la Turquie ont été exterminés au cours de massacres et déportations de grande ampleur. Et que la Turquie continue, cent ans après, à minimiser l’ampleur des massacres. Fatih Akin fait de ces événements dramatiques le point de départ de son récit. Nazareth, artisan arménien, vit à Mardin avec sa femme et ses deux filles. Une nuit, les soldats de l’armée turque l’embarquent pour construire des routes. Réduit à l’état d’esclave, épuisé, sous-alimenté, il échappe de peu à la mort. Des années plus tard, rescapé du génocide, il se lance dans une quête éperdue pour retrouver sa famille.

Pour mieux comprendre la portée du symbole, il faut remonter aux origines du projet. Au départ, Fatih Akin souhaitait réaliser un film sur le journaliste turc d’origine arménienne Hrant Dink, rédacteur en chef de l’hebdomadaire bilingue (arménien-turc) Agos, assassiné en 2007 par un nationaliste turc. Devant l’impossibilité de trouver un acteur turc qui accepte le rôle (par crainte des ultranationalistes), il finit par abandonner le projet. Quand on sait que l’homme a beaucoup œuvré pour la réconciliation entre les Turcs et les Arméniens, cette situation en dit long sur les tensions qui persistent en Turquie entre les deux communautés. Enfin, le scénario de The Cut est le fruit d’une collaboration avec Mardik Martin (collaborateur de Martin Scorsese sur Raging Bull notamment), américain d’origine arménienne. Là encore, une volonté généreuse de réconciliation.

…mais un symbole écrasant

La générosité, c’est d’ailleurs une des caractéristiques du cinéma de Fatih Akin. Cette idée de dresser des ponts entre des pays, entre des cultures. Difficile de trouver une autre raison à la programmation du film en compétition à la dernière Mostra de Venise. Car The Cut n’a hélas que cela à défendre. Dès les premiers instants du film, on est frappé par le caractère artificiel des images proposées. Naïveté des dialogues, situations « carte postale » pour décrire le quotidien de la famille de Nazareth, tout tend vers l’appauvrissement maximal du sens. Ou plutôt tout est forcé, surjoué et vidé de toute substance, désincarné. Le film ne se relèvera jamais vraiment de cette mise en place ratée. Difficile dès lors de s’attacher au personnage principal. D’autant que Tahar Rahim n’aide pas. Privé de parole, l’acteur manque de présence pour porter un tel rôle. Pire, il est (ou se sent) obligé d’accentuer ses expressions ou ses gestes (on est parfois proche du ridicule) pour pallier le déficit de paroles.

En définitive, on a peine à reconnaître le cinéma de Fatih Akin. Un cinéma de personnages qui, même mutiques, même désespérés, sont animés par une extraordinaire force intérieure qui parfois les dépasse (Head On, Ours d’Or à Berlin 2004, en est un bel exemple). Ici, les personnages sont faibles, grossièrement dessinés, peu mis en valeur par une dramatisation à outrance. Un exemple : la scène où Nazareth retrouve sa belle-sœur dans un camp de la mort est insoutenable par la grossièreté des dialogues, des cadrages, de la musique, mais surtout par l’étirement des plans…

Une « épopée » qui a le souffle court

Fatih Akin parle de « voyage épique » pour qualifier The Cut. Hélas, c’est une épopée qui a le souffle court. De la Syrie au Dakota, en passant par le Liban ou Cuba, Nazareth part bien à la recherche de ses filles, mais cette quête est alourdie par une mise en scène sans âme et des schémas narratifs répétitifs et artificiels où l’intrigue peine à rebondir. Fatih Akin voulait peut-être faire ressentir l’impuissance de son personnage, c’est surtout l’apathie et l’ennui qui gagnent le spectateur.

Sur un sujet similaire, on est très loin de la maîtrise d’un Roman Polanski qui, avec Le Pianiste, signait un film majeur sur l’extermination des Juifs. Habité, puissant. Ici, Fatih Akin semble avoir été dépassé par l’ampleur de son sujet, qui est pourtant au cœur de son cinéma (la quête de soi à travers les migrations ou les origines). Peut-être aussi a-t-il été contraint par la lourdeur d’une coproduction internationale. Reste une belle idée : en faisant perdre sa voix à son héros, il en a rendu une à tout un peuple.

Guillaume SAKI

The Cut - Réalisé par Fatih Akin - Avec Tahar Rahim, Simon Abkarian, Makram Khoury... - Allemand, Français - Sortie : 14 janvier 2015

Pour son deuxième film, Cédric Jimenez s’attaque à un projet ambitieux : la confrontation entre le juge Pierre Michel et Gaëtan Zampa, leader de la French Connection dans les années 70 et 80 à Marseille. Résultat : un polar maîtrisé, nerveux, haletant, d’inspiration américaine (Martin Scorsese n’est pas loin), dont l’efficacité et la réussite d’ensemble (le plaisir du spectateur est bien là) masquent bien la relative faiblesse des enjeux dramatiques.

Une ambition « rare »

Lorsque Jean Dujardin évoque La French, il parle d’un film « rare ». Il n’a pas tort. Le deuxième film de Cédric Jimenez est un exemple assez inédit dans le cinéma français de polar dont l’ampleur narrative rejoint l’ambition formelle. Plus gros budget du cinéma français en 2014 (21 millions d’euros), La French retrace le long combat du juge Michel (Jean Dujardin) pour faire tomber la French Connection, organisation impliquée dans un trafic d’héroïne internationale, entre Marseille et les États-Unis, à la fin des années 1970. À sa tête, Gaëtan Zampa (Gilles Lellouche). Le film se veut donc à la fois une fresque historique (entre 1975 et 1981), un film policier (l’organisation du trafic de drogue, ses liens avec la police et les politiques) et un drame humain (une traque qui vire à l’obsession). L’ambition est totale.

Un polar nerveux et haletant, d’inspiration scorsésienne : pur plaisir de spectateur

D’emblée, La French nous embarque. Une course-poursuite, un règlement de comptes sur la Corniche. On entre immédiatement au cœur de l’action. Et cette scène inaugurale donne le ton. Nerveux, sec, haletant. En même temps, l’utilisation d’une chanson de Likke Li (Jerome) et des décors marseillais élargit le spectre, donne une véritable ampleur à ce geste inaugural. Une majesté aussi. Toute la puissance de la French Connection est résumée dans cette scène magistrale. Sans jamais nous perdre, Cédric Jimenez alterne ensuite les points de vue, du clan Zampa au juge Michel. Faisant preuve d’une maîtrise formelle impressionnante pour un deuxième film, il excelle dans l’art de montrer le fonctionnement d’une organisation, alternant des séquences très chorégraphiées, très fluides (parfois en plan séquence) à d’autres plus posées et en interaction avec ses personnages. La grande forme et l’intimisme. La grande et la petite histoire.

Dans son ambition de renouveler le polar à la française, La French emprunte beaucoup aux films américains, et la référence à Martin Scorsese saute aux yeux très rapidement : l’univers mafieux, la fluidité de la mise en scène (plans très chorégraphiés), la manière de raconter de façon très précise le fonctionnement d’une organisation et ses ramifications… La séquence où sont racontés en voix off les mécanismes de circulation de la drogue de Marseille aux États-Unis est un hommage évident à Casino (1996), déjà produit (en partie) par Ilan Goldman. De même, à la manière de Martin Scorsese, La French est construit autour de sa bande originale (Rocky and The Riddlers, Mike Brant, Velvet Underground, Kim Wilde…) qui inscrit les personnages dans leur époque et les éclaire. Elle devient presque un personnage à part entière, tout comme l’environnement dans lequel ils évoluent (Marseille a rarement été aussi bien filmée). On note aussi l’utilisation du montage parallèle qui donne une belle intensité aux séquences à suspense du film. Tout cela fait de La French un pur plaisir de spectateur.

Une des grandes idées du film est aussi de montrer, parallèlement à l’organisation du clan Zampa, cette traque du juge Michel qui vire rapidement à l’obsession (on retrouve là quelque chose du Zodiac de David Fincher). Un personnage habité par sa mission. « Le juge est un héros, un homme exceptionnel qui a fait passer l’intérêt collectif avant son intérêt personnel, ce qui est rare dans le monde dans lequel on vit. » (Cédric Jimenez)

Un jeu de doubles

L’alternance des points de vue entre Gaëtan Zampa et le juge Michel provoque un phénomène frappant. La ressemblance physique entre Gilles Lellouche et Jean Dujardin sert le film, instaurant un jeu sur le double assez fascinant. Le parrain de la French Connection ne serait-il finalement qu’un double maléfique du juge ? Cédric Jimenez parvient d’ailleurs plutôt bien à éviter le manichéisme, en associant dans une certaine mesure les deux personnages. C’est ce qu’il met en scène lors de leur seule véritable rencontre du film. Hélas, il le fait un peu maladroitement.

Un relatif manque d’enjeux dramatiques

Car cette scène, qui devrait être un point d’intensité maximale, est un symptôme de ce qui manque encore trop souvent au cinéma français. Le manque d’incarnation, d’enjeux humains. Cédric Jimenez croit-il si peu lui-même à la force de ce qu’il raconte ? Alors que l’on est au point culminant de la confrontation entre Gaëtan Zampa et Pierre Michel, comment cette scène peut-elle être aussi déceptive ? Les dialogues frôlent le ridicule (on les entend d’ailleurs dans la bande annonce) et sont prononcés avec une neutralité assez terne. Où est passée la force, la conviction qui innerve le reste du film ? Une force qui passe par la composition très sobre de Jean Dujardin et Gilles Lellouche, moins à l’aise quand il s’agit de lâcher prise. La relative faiblesse d’incarnation du film passe enfin par des personnages féminins totalement sacrifiés : Céline Sallette se tire comme elle peut du personnage un peu ingrat de la femme du juge, mais Mélanie Doutey n’a vraiment rien à défendre dans celui de la femme de Zampa. La comparaison avec le personnage de Sharon Stone dans Casino fait un peu de peine. C’est dommage…

Si l’on juge de la qualité d’un film au sourire (un peu béat) affiché par les spectateurs au moment où défile le générique de fin, alors Magic in the Moonlight réussit parfaitement son coup. Sous couvert d’une merveilleuse comédie romantique, élégante et enlevée, Woody Allen livre un manifeste sur les pouvoirs de l’illusion et réveille ainsi, comme souvent chez lui, notre part d’enfance, notre capacité d’émerveillement.

La magie à l’œuvre chez Woody Allen

La magie est un ingrédient majeur des films de Woody Allen. Dans Scoop (2006), lui-même interprétait le rôle d’un prestidigitateur. Dans La Rose pourpre du Caire (1985), un personnage sortait de l’écran de cinéma. Dans Minuit à Paris (2011), le personnage principal voyageait dans le temps. Dans Tout le monde dit I love you (1996), Goldie Hawn volait littéralement sur les quais de Paris. Avec Magic in the Moonlight, Woody Allen fait de la magie le cœur battant de son nouveau film. Celle de Wei Ling Soo, célèbre prestidigitateur chinois derrière lequel se cache le cynique et arrogant Stanley Crawford (Colin Firth), celle de la ravissante Sophie Baker (Emma Stone), médium que Crawford est chargé de démasquer alors qu’une riche famille de la Côte d’Azur, les Catledge, semble être tombée sous son charme… Et si l’amour était au final la plus belle illusion qui soit ?

Une comédie romantique qui pétille

« Il y a quelque chose de magique et d’exaltant dans une rencontre et dans les sentiments amoureux qu’on peut soudain éprouver… » (Woody Allen). Comme dans le déjà très réussi Whatever Works (2009), la rencontre amoureuse repose ici sur l’attirance des contraires. Plus que sur la différence d’âge, l’accès à la culture ou la condition sociale, le contraste porte ici sur la capacité à croire en l’invisible, l’illusion, la magie. Et le principe comique tient à la capacité de Stanley à résister devant l’évidence des dons de Sophie. Car comment la magie de Sophie pourrait-elle l’emporter face à l’esprit rationnel et scientifique de Stanley ? Toutes ses certitudes voleraient alors en éclats… Brillamment dialogué, Magic in the Moonlight pétille de répliques qui claquent, transformant ce schéma rebattu du couple dépareillé en un duel romantique de haute volée. Une forme de grâce qui doit beaucoup au duo Colin Firth/Emma Stone. Cette dernière illumine l’écran et offre un contrepoint parfait au pessimisme et au cynisme de son partenaire, double nihiliste du cinéaste. Magnifiquement éclairée par Darius Khondji, tout en elle rayonne, ce que confirme Hamish Linklater dont le personnage tombe sous le charme de la jeune médium : « Dans cette lumière, on aurait dit qu’elle surgissait d’une fresque ». Telle une apparition, un effet spécial, une illusion…

Un manifeste (paradoxal ?) sur les pouvoirs de l’illusion

« Globalement, l’existence est plutôt effroyable. » C’est Woody Allen lui-même qui le dit. Il poursuit : « Même si nous avons tous besoin de magie, elle n’existe pas, et le mieux que nous ayons à faire est de savourer les petits instants qui nous permettent de continuer à vivre. » D’Annie Hall (1977) à Magic in the Moonlight, la confrontation entre la raison et l’illusion est au cœur du cinéma de Woody Allen. Dans Blue Jasmine (2013), versant noir de Magic in the Moonlight, Cate Blanchett jouait le rôle d’une femme brisée, se berçant d’illusions pour continuer à vivre. Même constat ici : la magie aide à vivre. Elle aide Mme Catledge, soulagée après avoir avoir « communiqué » avec son défunt époux lors d’une séance de spiritisme ; surtout, elle ouvre Stanley Crawford à tout un monde qu’il ne connaissait pas et lui fait envisager la vie sous un autre angle. Y croire ou pas, telle est l’éternelle question.

Woody Allen, artisan de l’illusion

Woody Allen peut bien arguer de sa vision nihiliste de l’existence, il est lui-même un artisan de l’illusion. Car le cinéma n’est-il pas l’art de l’illusion par excellence ? « Vous fabriquez un effet à la fois séduisant et trompeur à l’intention des spectateurs, mais derrière tout cela se cache un travail laborieux et dépourvu de glamour ! » (Woody Allen) Magic in the Moonlight est donc aussi une déclaration d’amour au cinéma, à son processus de fabrication et à l’émerveillement qu’il peut susciter. Au cœur du film, Stanley et Sophie, surpris par l’orage, se réfugient dans un Observatoire. La scène, merveilleuse, évoque de façon presque explicite Méliès et son Voyage dans la Lune (1902). Il y a quelque chose de profondément artisanal dans la simplicité et l’épure de cette scène, dans la recréation de cette illusion. Et cette magie-là, nous avons tous envie d’y croire…

Guillaume SAKI

Magic in the Moonlight - Réalisé par Woody Allen - Avec Emma Stone, Colin Firth, Eileen Atkins... - USA - Sortie : 22 octobre 2014