Tendu et puissant, le nouveau film de Marco Bellochio est une grande réussite. En racontant le destin et la lutte d’Ida Dalser pour faire reconnaître son identité (première femme du Duce Mussolini), le cinéaste signe un portrait de femme bouleversant. L’Histoire avec un grand H n’est pas vraiment son sujet, la figure de Benito Mussolini n’est qu’esquissée (au milieu du film, l’acteur qui l’incarne disparaît d’ailleurs derrière les images d’archives). Non, le film est tout entier tendu vers la figure niée d’Ida Dalser, sa folie, son obsession. Et son atout majeur réside dans la volonté de donner à l’histoire intimiste de cette héroïne tragique une ampleur et un souffle véhiculés par une mise en scène digne d’un opéra, utilisant par là des procédés issus du cinéma américain (on pense parfois au Casino de Martin Scorsese). Totalement habitée par son personnage, Giovanna Mezzogiorno, par son interprétation fiévreuse et intense, rend toute son humanité à cette femme niée par la montée du fascisme. Son acharnement à vouloir rétablir la vérité, quitte à sacrifier son propre fils dans cette lutte, est à la fois fascinant et proprement dramatique.


Bande annonce - Vincere

Caméra d'Or du dernier Festival de Cannes (Prix du Meilleur premier film), Samson and Delilah est un film coup de poing, un de ceux dont la force brute nous frappe en plein coeur. Le coeur, dernier rempart contre l'adversité et le rejet dont chacun peut être la victime, c'est la ligne de force de ce film bouleversant. On y suit le trajet de deux jeunes aborigènes qui, rejetés par leur propre communauté à la suite de la mort de l'un des leurs, décident de rejoindre la ville. Mais ils découvrent alors que la vie hors de la communauté peut être plus cruelle encore. Affamés et indésirables, seule la complicité qui les lie (un amour naissant) leur permet de survivre.

Premier film impressionnant de maîtrise, Samson and Delilah nous plonge d'abord dans le quotidien d'une communauté aborigène. Dans un style documentaire (caméra portée, acteurs non professionnels...), Warwick Thornton capte avec bonheur et précision des moments de vie. La culture aborigène, rarement abordée au cinéma, y est montrée sous bien des aspects. L'importance de la peinture par exemple, pratiquée par Delilah, qui fait partie de leur patrimoine et leur permet de survivre, malgré l'exploitation de certains marchands. Ou encore l'identité de chaque aborigène qui se traduit par un "nom de peau" déterminé à la naissance par le nom des parents ; seules certaines combinaisons de peau peuvent se mêler entre elles. C'est ce que l'on perçoit lorsque la grand-mère de Delilah lui dit que Samson est de "la bonne peau". Le rapport à la mort est également abordé de façon plus cruelle. A la mort de sa grand-mère, Delilah est battue par les autres femmes de la communauté et mise à l'écart, car il faut forcément qu'il y ait un responsable.


Par petites touches, le réalisateur nous fait donc pénétrer dans cette communauté. Par un travail sur la durée des plans (longs) et la sécheresse du processus filmique, on perçoit de manière prégnante le caractère répétitif et codifié de l'existence aborigène. La caméra capte sans jamais chercher à dicter l'émotion. Le récit n'est qu'esquissé, les mots sont rares, seules importent les sensations et perceptions. Cela se traduit par une forme d'incertitude qui permet différentes interprétations face aux actions des personnages. On n'est jamais certain que l'amour qui lie Samson à Delilah soit réciproque jusqu'à cette scène lumineuse où la captation brute des événements laisse place à la vision subjective de Delilah qui, écoutant de la musique dans une voiture, observe Samson qui danse un peu plus loin. Les musiques se rejoignent, les coeurs aussi. La simplicité absolue et la grâce qui émanent de cette scène la rendent remarquable.


Amour et violence, espoir et cruauté, Warwick Thornton donne à voir toute une palette de sentiments contradictoires. Car après avoir été rejetés par leur communauté, l'arrivée en ville de Samson et Delilah s'apparente à un véritable chemin de croix. Réduits au rang de clochards, ils doivent faire face au manque de nourriture, et surtout à l'indifférence des blancs. Dans un récit âpre et extrêmement dur, l'attachement à l'humain confère alors au film une portée universelle, que revendique le réalisateur : "Chacun trouvera dans Samson and Delilah des références à sa propre vie. [...] Nous ne cherchons pas à éduquer les gens, nous essayons juste de leur donner accès à une vie qu'ils n'ont peut-être jamais eu l'occasion de voir. [...] Libre à chacun d'en tirer ce qu'il veut à l'issue du film". 
Si le réalisateur met en scène des personnages de peu de mots, on peut noter que la bande-son, et notamment la musique, sert de relais naturel tout au long du film.


Admirateur notamment de Terrence Malick (on pense parfois à La Balade sauvage), Warwick Thornton nous convie à un voyage passionnant au sein d'un peuple aborigène méconnu. Et au-delà, à la traversée à la fois cruelle et remplie d'espoir de deux adolescents qui tentent de trouver une terre où "vivre", filmée avec une intensité rare.






Si j'ai pu convaincre quelques personnes d'aller voir ce film, sachez que, malgré sa Caméra d'Or, il ne bénéficie que d'une distribution pour le moins limitée : 15 salles en France, dont 3 à Paris. Donc courrez-y! C'est un film difficile, mais dont on ressort différent. C'est aussi ça la "magie" du cinéma!

La bande originale est très belle, mais pas disponible en France apparemment. Si vous trouvez un moyen de vous la procurer, n'hésitez pas à m'en parler...


Bande annonce - Samson and Delilah 

Stanislas Graff est un homme d'industrie très en vue et connu comme très riche. Un matin, il est enlevé en pleine rue devant son immeuble. Ses ravisseurs demandent rapidement une rançon de 50 millions d'euros. S'installe pour Stanislas, amputé d'un doigt et humilié dans son être, l'attente et la peur de ne jamais revoir les siens. En parallèle, se pose pour sa famille et son entreprise la question du paiement de la rançon. Mais, les jours passant, le monde de Stanislas se fissure. L'enquête révèle l'existence de maîtresses cachées, et surtout des sommes indues dépensées aux casinos. Le scandale n'est pas loin...



Lucas Belvaux est un réalisateur étonnant. On avait déjà remarqué avec sa belle trilogie Un couple épatant/Cavale/Après la vie sa volonté de briser la hiérarchie des personnages principaux et secondaires, leur donnant à tous une réelle identité. Avec Rapt, il poursuit dans cette démarche en donnant autant de voix à la victime qu'aux différents personnages qui gravitent autour de cette histoire. Librement inspiré de l'enlèvement du Baron Empain en 1978, Lucas Belvaux signe un film âpre et intense sur la barbarie à la fois physique et psychologique dont peut faire preuve l'être humain. En effet, alors que Stanislas subit les sévices de ses agresseurs, sa souffrance physique et mentale se double d'un étalement public des failles qui ont jalonné sa vie... privée.


On sent bien que ce qui intéresse Lucas Belvaux n'est pas tant l'enlèvement en lui-même que ce portrait ambigu d'un homme qui avait tout et dont l'existence se brise à la fois concrètement et symboliquement. Portrait d'autant plus cruel que le personnage n'a aucune prise sur ce qui se passe à l'extérieur. A peine peut-il se demander pourquoi la rançon n'a pas encore été payée. Dans l'immobilité la plus totale, sa vie se délite sans même qu'il puisse en avoir vraiment conscience.


Si la mise en scène manque parfois un peu d'ampleur, son ton sec et précis lui donne une force implacable. On peut saluer la qualité de l'écriture de ce film, brillamment construit, du cauchemar de la séquestration à celui, peut-être plus dévastateur encore, du retour à la vie réelle. Qualité également d'une interprétation très homogène. Yvan Attal, après quantité de personnages assez insignifiants, trouve ici le meilleur rôle de sa carrière. Une performance physique assurément (perte de poids), mais surtout une performance d'acteur. Sec et tout d'émotion contenue, il insuffle à son personnage une intensité et une fragilité étonnantes. Anne Consigny (toujours sur les bons coups en ce moment, voir Un Conte de Noël ou Les Herbes folles) joue l'épouse aimante et trahie avec une élégance et une dignité remarquables, mais aussi une certaine forme de cruauté. Elle a une fébrilité dans le jeu et dans la voix qui en fait l'une des plus belles actrices du cinéma français.


Extrait 1 - Rapt